Arte en la City de Buenos Aires -Argentina-: Bicentenario Argentina 1810 - 2010 "Buenos Aires Arte Argentino Siglo XX"

Arte en la City de Buenos Aires -Argentina-: Bicentenario Argentina 1810 - 2010 "Buenos Aires Arte Argentino Siglo XX"

Hipólito Restó & Arte - Exposiciones Permanentes -: Bicentenario Argentina 1810 - 2010 "Buenos Aires Arte Argentino Siglo XX"

HIPOLITO RESTO & ARTE Exposiciones de Pintores Argentinos: Bicentenario Argentina 1810 - 2010 "Buenos aires Arte Argentino Siglo XX"

Hipólito Restó & Arte - Exposiciones Permanentes -: Bicentenario Argentina 1810 - 2010 "Buenos Aires Arte Argentino Siglo XX"

Hipólito Restó & Arte - Exposiciones Permanentes -: Bicentenario Argentina 1810 - 2010 "Buenos Aires Arte Argentino Siglo XX"

Hipólito Restó & Arte - Exposiciones Permanentes -: Bicentenario Argentina 1810 - 2010 "Buenos Aires Arte Argentino Siglo XX"

HIPOLITO RESTO & ARTE Exposiciones de Pintores Argentinos: Bicentenario Argentina 1810 - 2010 "Buenos aires Arte Argentino Siglo XX"

Hipólito Restó & Arte - Exposiciones Permanentes -: Bicentenario Argentina 1810 - 2010 "Buenos Aires Arte Argentino Siglo XX"

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HIPOLITO RESTO & ARTE Exposiciones de Pintores Argentinos: Bicentenario Argentina 1810 - 2010 "Buenos aires Arte Argentino Siglo XX"

HIPOLITO RESTO & ARTE Exposiciones de Pintores Argentinos: Bicentenario Argentina 1810 - 2010 "Buenos aires Arte Argentino Siglo XX"

HIPOLITO RESTO & ARTE Exposiciones de Pintores Argentinos: Bicentenario Argentina 1810 - 2010 "Buenos aires Arte Argentino Siglo XX"

Bicentenario Argentina 1810 - 2010 "Buenos aires Arte Argentino Siglo XX"

Para no olvidar nuestro pasado y tener la responsabilidad del presente.

Una contribución a la cultura en una muestra homenaje a destacados artistas plásticos argentinos que inmortalizaron con sus obras emblemáticos paisajes de Buenos Aires.

Como ciudadanos y trabajadores de la cultura, rendir un homenaje a través del Arte es una responsabilidad que conlleva una obligación; por lo tanto, nos compromete en este Bicentenario, puesto que, una Nación se engrandece con el compromiso de sus ciudadanos.

“Buenos Aires Arte Argentino del Siglo XX”, es una muestra que involucra a 14 distinguidos artistas, entre otros, que han contribuido con su arte y su prestigio a nuestro patrimonio cultural.

Alfredo Bertani, eximio pintor del Bajo Belgrano, discípulo de Repetto y Cleto Ciocchini; Claudio Gorrorrategui, premios Martín Malharro y Salón Nacional; Osvaldo Imperiale, seguidor de la línea artística del maestro Quinquela y asiduo concurrente del Salón Nacional; Juan Orihuel, celebrado pintor hiperrealista, discípulo de Rusiñol; Indalecio Pereyra, discípulo de Malharro y Collivadino, Premio Sívori Salón Nacional; Dalmi Imperiale, discípulo de Quinquela, que perpetuó el inconfundible estilo creado por su maestro, otorgándole su personalidad; Claudio Scheffer, Premio Salón Benito Quinquela Martín; Virgilio Vallini, pintor intimista galardonado con varios premios; Alberto Tomás Gini, pintor contemporáneo y José Martino, pintor italiano nacionalizado argentino, fundador de la Asociación Gente de Arte de Avellaneda, nos muestran desde diferentes estilos y técnicas la inspiración del inconfundible Riachuelo, lugar más que simbólico, ya que allí se llevó a cabo la Primera Fundación de Buenos Aires por Pedro de Mendoza en el año1536. Juan Carlos Huergo, pintor, dibujante, litógrafo e ilustrador y Vicente Vento, un gran intimista discípulo de Lazzari y acreedor de varias distinciones, nos seducen con sus paisajes sobre la ciudad.

Obligada y merecida la presencia de unos de los grandes maestros de la pintura argentina, Benito Quinquela Martín, con una de sus celebradas aguafuertes, reflejo de su predilección por los trabajadores de La Boca.

La obra “Plaza de Mayo”, del pintor David Heyneman, quien documentó lugares de la Ciudad y a quien se llamó “el pintor de las calles porteña”, hacen de esta muestra, no sólo un homenaje a estos hombres, sino también a la cultura, que es el bien más preciado de una Nación.

Nuestra contribución y la del espacio de difusión Hipólito Restó & Arte es conceder a la comunidad la pasión y el tributo a la cultura del país de estos grandes artistas, sugiriendo al espectador el interrogante de dónde venimos y hacia dónde vamos.

La muestra, está abierta al público hasta el mes de Mayo con entrada libre y gratuita en conmemoración del Año del Bicentenario Argentino, 25 de Mayo de 1810 -2010.

Bicentenario Argentina 1810 - 2010 "Buenos Aires Arte Argentino Siglo XX"

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Hipólito Restó Arte -Argentinian Painters-

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En la Ciudad Autónoma de Buenos Aires, en la calle Sarmiento 948, adosada a una de las columnas de granito que sostiene el actual edificio de catorce pisos, se encuentra una placa de bronce donde se lee:

El universo místico de Francisca Blázquez, se expone en un Restó de Buenos Aires.

Francisca Blázquez presenta, por segunda vez, en Hipólito Restó de la Ciudad de Buenos Aires la exposición Dimensionalismo, concepto acuñado por la creadora madrileña en 1998 y que le permite indagar en la vertiente más elegante de la existencia, la vertiente estructural, a través de la cual constata la evidencia de la formalidad que recorre la propensión hacia la luz, hacia la espiritualidad y la elevación del amor y el amar.

Francisca Blázquez es una creadora que innova, apostando por la belleza en unos momentos de crisis en los que todo se cuestiona pero, a la vez, es capaz de ver con claridad la luz al final del túnel porque la verdad única no existe pero, en cambio, la magia del laberinto es infinita.

Nace en Madrid, creadora del Dimensionalismo, nueva teoría que se sustenta en viajar a través de las dimensiones para hallar una mejor comprensión de la dinámica espiritual, energética, iluminada, mental y astral.

Esencialmente pintora, pero también joyera, escultora, grabadora, fotógrafa, dibuja, crea net.art, animaciones digitales, instalaciones y montajes.

Su obra posee la matemática del universo, también se interesa por lo transparente, a partir de formas, que, a veces, son estructuras cristalográficas como la reciente serie dedicada a la dimensión del agua, o bien se sumerge en la investigación de la complejidad formal en la que constata la fuerza de la iluminación y el poder evocador de una arquitectura soberbia que nos conecta con la alegoría interior del alma profunda.

Una alegoría, que es simbiosis de fuerza y expresividad, determinación y momentos de gran receptividad espiritual.

Con más de 366 exposiciones individuales y colectivas en 17 países y continentes, su creación pictórica se encuentra representada en las mejores colecciones internacionales: Fundación Newman de Chicago, Museo Marugame Hirai de Japón, JJ.00. de Pekín, Fundación Argentaria de Madrid, Unión de Bancos Suizos, Bolsa de Comercio de Buenos Aires, Grupo Dúplex, Eurodesign, Corporación Bancaria Suiza, etc.

Trabaja en acrílico sobre tela, busca el equilibrio, dentro de la simetría, resaltando la belleza de las estructuras, la formulación de la intensidad cromática, en entornos galácticos, cósmicos, espirituales, angélicos, elementales y sensibles.

Su obra es un canto a lo espiritual en una era de cambios, en la que todos estamos vibrando a un nivel diferente de cómo hemos estado hasta la fecha. Todo esto es consecuencia de una dinámica compleja y alambicada que ha planteado el excesivo consumismo, la desestabilización del medio ambiente y la falta de objetivos claramente románticos y sensibles orientados hacia lo trascendente, cuestión fundamental para Francisca y que se refleja con claridad en su producción.

La obra de la artista madrileña estará expuesta hasta el 30 de Octubre de 2009 en el espacio de difusión Hipólito Restó & Arte de la Ciudad Autónoma de Buenos Aires.

Conjuntamente, Blázquez expone del 1 al 15 de octubre, en la Galería Actual de Lisboa, Portugal.

Joan Lluís Montané

De la Asociación Internacional de Críticos de Arte (AICA)

www.joanlluismontane.net

Hipólito Restó & Arte

Sarmiento 948

Ciudad Autónoma de Buenos Aires

Argentina

www.hipolitorestoarte.com.ar

Débora Trachter, Arte Digital.

Hipólito Restó & Arte

Buenos Aires

Argentina

Setiembre 2009

Débora Trachter, Arte Digital, diálogo entre la abstracción y la geometría.

Nació en Buenos Aires en 1959.

En 1978 comenzó fotografía en el Fotoclub Buenos Aires y realizó varias exposiciones colectivas.

Estudió dibujo y pintura. Hace unos años descubrió el Net – Art, transformándose en un nuevo lenguaje, y creo que para el espectador también.
Realizó dibujos de cuentos infantiles para España. Está preparando el libro “Lugares Deborianos”, retratos de los lugares que visita, a los cuales les agrega su impronta.

Con el arte digital trata de hacer algo más pictórico, donde las sensaciones, emociones y climas es lo que se plasma en la obra terminada.

Sus obras se encuentran en Miami, Nueva York, Italia, España, Polonia, Rosario, Los Molinos (La Rioja) y Buenos Aires.

Joan Lluís Montané

De la Asociación Internacional de Críticos de Arte (AICA)

La obra de Arte Digital de Débora Trachter dialoga entre la abstracción y la geometría, buscando en las superposiciones cromáticas, los difuminados y las transparencias, el dinamismo de lo complejo.

Crea obra pensando en y para la red de internet. Creación digital que emplea los recursos de la red, datos e ideas, conceptos y elementos, que forman parte de una determinada idiosincrasia en la que lo significativo es la dinámica informal, la percepción de lo delimitado y sintetizado.

El color es muy importante porque garantiza atmósferas, asienta espacios, que, sin embargo, poseen una gran libertad de ejecución, al margen de lo específico, en lo emblemático del término.

Porque no se interesa por ser coherente en lo racional, sino que deja fluir el inconsciente, para, luego racionalizar determinadas actuaciones, consiguiendo, de esta manera, una interactividad entre formas geométricas, la energetización cromática, la presencia de líneas rectas que inciden de manera repetitiva en el contexto del color produciendo contraste y buscando romper la voluntad armónica.

A veces, incluso, son también, partes de una asimetría buscada, para ir más allá de los límites, hasta alcanzar la formulación de la visión compleja del discurso digital fundado en la transformación de la forma en la dinámica del laberinto asimétrico, dentro de una contención espacial y compositiva hasta alcanzar cotas de singularidad específica e incluso aproximarse a momentos de tensión, que son sustituidos rápidamente por instantes de comprensión de la belleza calculada.

Plasma huellas, rastros de iconismos, formas que son parte de los espacios que genera, en el sentido de ser coherente con la transformación del contexto, en línea con la búsqueda de nuevos planteamientos en los que profundizar con determinación generando nuevos mundos de instantes matemáticos y físicos reconvertibles.

Hipólito Restó & Arte

Sarmiento 948

Ciudad Autónoma de Buenos Aires

Argentina

www.hipolitorestoarte.com.ar

www.joanlluismontane.net/

http://deboratrachter.blogspot.com/

Magdalena Clariá, la exuberancia y la expresividad sutil.

Magdalena Clariá busca la exuberancia en sus conjuntos de flores, mostrando un predominio del primer plano, también de otros planos que nos aproximan a las partes superiores e interiores de las flores, preferiblemente rojas, que cubren la composición con su perfume cromático.

Todo ello para buscar la belleza de un lenguaje plástico, que renuncia al detalle, en función del color y el gesto, auténtico sesgo, que le confiere una impronta sugerente al conjunto de su obra nutrida de flores expresivas, alegóricas, casi simbólicas, pero, realistas, asentadas en el movimiento.

Su obra en acrílico es más gestual, de colores intensos, dentro de una síntesis escenográfica, para resaltar, especialmente, las flores, detalles de las mismas, siendo captadas como si fueran el resultado de momentos, de instantes profundos que se recrean consigo mismas para trasladarse a la voluntad específica de la naturaleza que consiente el avance hacia la consecución de lo concreto, específico y racional.

Sus acuarelas de flores son más sutiles, buscando el centro de la composición, la naturaleza cromática de tonos suaves, entrañables, casi íntimos, como si fueran partes de una mente interior que buscara la singularidad en las consecuciones insinuadas más emblemáticas.

Somos el resultado de momentos, de ahí que sus composiciones florales se alejen de lo académico, buscando el momento, el aura del instante, que capta el estadio, los sentidos, los estados de ánimo.

Construye a través del gesto, sin llegar al detalle excesivo, permitiéndose ciertas licencias para alcanzar una visión genérica de una realidad que transforma, para avanzar hacia la fantasía de la creación, coincidiendo con la belleza que encierra la naturaleza, interpretándola con recursos plásticos notables, tanto a nivel cromático, como de dibujo y composición.

Joan Lluís Montané

De la Asociación Internacional de Críticos de Arte (AICA)

critica_jlmontane@franciscablazquez.net

“Mis Cafés”, una muestra donde nada es lo que se parece.

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Pinturas que no lo son, de la manera tradicional, ni fotos como tales, en una dialéctica contemporánea donde nada es lo que parece se exponen en un Café Bar de Buenos Aires.

Los hechos cotidianos conforman inconscientemente el entorno de nuestras realidades, gestos, ritos, pequeños placeres.

El análisis de esos detalles llevó a Stella Sidi a investigar los momentos de distensión y reflexión que se siente cada vez que un café forma parte de esos momentos especiales.

El café es un ritual placentero y de reflexión, de encuentro con amigos, insertado en la iconografía porteña.

Y…, no es el café que se toma en casa…, es el que nos acompaña fuera de ella…, quizás buscando la calidez del refugio.

En un trabajo de búsqueda de su identidad, durante más de un año tomó fotografías de esos cafés compañeros, distintas tazas, sabores y entornos.

En la post-producción, sólo diez de ellos fueron seleccionados, a los cuales intervino digitalmente, imprimiéndolos en canvas y completándolos con lápiz color.

Sidi, busca la intervención artística en el objeto, rompiendo moldes de las habituales barreras entre las distintas disciplinas.

El café como actitud crítica ante un hecho que se desconoce si se va a producir.

Investiga la cultura del misterio a partir de sus propias posibilidades expresivas, pero, a la vez, va más allá de la anécdota.

Disciplinas plásticas que poseen distintos lenguajes pero que se pueden conjugar entre sí, incluso emplazándolas sobre soportes no habituales.

Realidad ambigua y personal, que seguramente deviene universal, donde el resultado pasa a estar en el umbral entre la fotografía y la pintura.

La muestra estará abierta al público hasta el 31 de Julio en el espacio alternativo de difusión Hipólito Restó & Arte donde los transeúntes pueden convertirse en cómplices de esta realidad dual según el observador que la aprecie.

Hipólito Restó & Arte
Ciudad Autónoma de Buenos Aires
Argentina
www.hipolitorestoarte.com.ar

Van Viniendo, una muestra que revela la identidad de Karina Bezchinsky.

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“Van Viniendo” una muestra de la artista Karina Bezchinsky, presentada en el espacio alternativo Hipólito Restó & Arte de la Ciudad de Buenos Aires, donde nos muestra sus experiencias en las que se encuentra, se traduce, se trasluce, manifestándose a través de una diversidad de colores, formas y texturas.

Karina Bezchinsky indaga en el poder de la mancha en sus composiciones abstractas, realizadas en óleo, también en técnica mixta y collage.

Busca la explosión del color, la fuerza de la intensidad cromática, el poder directo de la mancha en el espacio, cual signo de existencia y vida.

Persigue el cambio continuo del color, la plasmación de la evidencia de la propia existencia en lo más hondo de la fuerza emblemática que nos acoge.

Es un canto hacia la belleza de lo que está vivo, a partir de una actitud que va más allá de las anécdotas y de la necesidad de vivir sin más.

Indaga en la translación y el movimiento, en el cambio continuo y en la fenomenología de lo que es por sí mismo.

Lo que está claro es que la mancha, es la expresión vital, la mancha es la evidencia de la energía, el alcance de sus designios, que son los que nos transportan hacia otras consideraciones y galaxias tanto vitales como mentales.

La mente de la mancha es la mente del universo, se expande, o se contrae, posee colores sensuales, atractivos, vitales; pero también cromatismos evanescentes, casi celestiales, tocados con la gracia divina, con la gracia de quien se sabe poseedor de los alcances insuperables de una vida entera, grande y fuerte; una vida que es existencia en grado sumo, en grado superlativo, en grado emblemático y contrastado.

Nacida en Buenos Aires en 1963, comenzaron a esbozarse hace algunos años las primeras manifestaciones de lo que es hoy una irrefrenable explosión de color y experimentación a través de la cual siente que canaliza y libera esa generosa intuición que guía su evolución espiritual.

Comenzó su exploración y formación en el taller de Diana Dreyfus, y luego en el taller de Silvia Flichman, quien estimula su participación en diversos eventos de arte.

Cree en el arte, en las corrientes que fluyendo amalgaman procesos creativos compartidos. Trabaja actualmente en varios proyectos de integración de diferentes disciplinas artísticas como teatro-música-pintura; escritura-pintura-danza con la idea de crear una sinergia que sintetice y complete cada vez más la unidad de la que somos parte.

Es una muestra en la que las intuiciones que se gestan en Karina, son guiadas por una inquieta y transformadora energía vital.

Una diversidad de colores, formas y texturas que invitan a jugar, a sentir que cada obra es un nuevo viaje, estarán presente hasta el 26 de Junio de 2009, en este espacio alternativo para los artistas.

Hipólito Restó & Arte

Ciudad Autónoma de Buenos Aires

Argentina.

www.hipolitorestoarte.com.ar

El artista plástico cordobés Juan Carlos Callejón presenta su serie “Síntesis” en un espacio de difusión alternativo de la Ciudad de Buenos Aires.

Juan Carlos Callejón, en su muestra “Síntesis” inaugurada en el espacio Hipólito Restó & Arte de la Ciudad de Buenos Aires, indaga en la potencia del gesto, en la presencia del espacio, a través de formas sinuosas, de movimientos que abrazan la evidencia de lo que está cambiando, porque en el movimiento está la fuerza de la transmutación, buscando una síntesis que no sea excesivamente descriptiva.
Es un creador abstracto, que se interesa por la apariencia de la vida, en cualquiera de sus formas.
Callejón nos acerca con sus técnicas mixtas sobre papel, estructuras y enlaces que bailan la danza de todas las danzas, que perfilan alegorías, composiciones, paisajes, elementos, momentos, alusiones y evidencias, y también aquello que parece pero no es.
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Técnico y Profesor Superior en Dibujo y Pintura, Profesor y Perito de Artes Plásticas, Juan Carlos cuenta con una trayectoria de innumerables exposiciones individuales, Salones y concursos en la Ciudad de Córdoba y Buenos Aires.
Nacido en Laboulaye, Prov. de Córdoba en 1969, ya lleva más de 15 años como Docente de Artes Plásticas en diferentes niveles, incluyendo el dictado de Seminarios Taller en varias ciudades de su provincia, realizando de esta forma su devolución de todo lo aprendido. Es fundador del Taller Sol Azul que continúa hasta el día de hoy y con el que ha realizado varias muestras.
“Síntesis”, compuesta por 17 obras, estará abierta al público hasta el 29 de Mayo de 2009. La misma indaga en lo abstracto a partir del gesto, pero construyéndolo, sin renunciar a su perfil, porque el gesto se fundamenta en la posibilidad de ir más allá de la alegoría de lo que es.
Hipólito Restó & Arte
Ciudad Autónoma de Buenos Aires
Sarmiento 948
Argentina.

Eva Manzella "Sensaciones que provocan mi imaginación"

Hipólito, el Restó de la City de Buenos Aires, donde se fusionan la gastronomía con exposiciones de artistas plásticos consagrados y emergentes, abre su calendario 2009 conla obra pictórica de Eva Manzella en una apuesta por la otra verdad de la existencia, a favor de una visión de la evidencia de la esencialidad.

"En el acto de pintar, expresa Eva, pienso en cómo distribuir el espacio de la tela, como si fueran los renglones en donde voy escribir mis palabras, mis manchas; trato de representar mi paisaje interior sin atarme a una estética determinada, utilizando tanto el negro como el color, en un antagonismo en lucha de emociones y pensamientos, una figura que emerge como un gesto, un cuadrado que nos contiene, pero no nos deja ser en nuestra verdadera geometría.

Somos habitantes de nosotros mismos, tratando de romper la barrera que no nos deja estar con el otro. Como penetrar los caminos que esconde la ciudad perdida, invisible, acechante, furiosa, descarnada e intrigante. Estos mundos desconocidos son habitados por mí, y en mi dolor por ellos, para perderles el miedo, para hacerme amiga, quiero sentir que fueron puestos en descubierto, que alguien los vio, que yo los encontré y ahora los conozco.

¿Cómo puedo representar esos mundos escondidos e inalcanzables? Sólo mis sensaciones provocan mi imaginación, mi intuición me guía en la búsqueda estética, no alcanza la información, no alcanza nada."

La muestra, compuesta por trabajos en acrílico y técnicas mixta sobre tela, indaga en sensaciones y estadíos de la conciencia, empleando recursos propios del expresionismo, interactuando entre diferentes realidades, sin renunciar a la plásticidad. Una obra que posee sensualidad y coherencia.

Somos aquello que nuestro cerebro puede procesar, pero, también, algo, más, y no estamos solos.

En un mundo tan convulsionado, con un presente vertiginoso, este pequeño Restó, quiere con sus propuestas artísticas, albergar sensaciones en la mente y en el corazón.

La muestra estará abierta al público hasta el 27 de Marzo de 2009.

Texto:

Joan Lluís Montané

Eva Manzella

Fernando Diego Magnalardo / Jorge Omar Vera.

Verónica Rodriguez Bodegones

El cálido mundo de nuestros abuelos.

El hiperrealismo de Verónica Rodriguez busca centrar la composición. No hay nada fuera de lugar. Trabaja con técnica depurada, buscando la exhibición del control compositivo, en el sentido de fomentar una obra en orden, equilibrada y que de elegancia a la belleza de lo representado, determinando sus preferencias por lo bien hecho, entendiendo como tal la adscripción a aquellos aspectos de la realidad más ecuánimes y más armonizados.
Sus composiciones son de un realismo tal, que están insertos en un entorno que se podría definir campesino, logrando un contraste llamativo entre la pulcritud y la belleza de los elementos representados y lo desvencijado de las paredes y mesadas de su alrededor, simulando así una típica escena de alguna casa de nuestros abuelos, con aquellas paredes pintadas a la cal, húmedas y testigos del paso de los años.
Su serie, realizada en óleo sobre tela, posee un tratamiento excelente en el uso de la luz, destacando los reflejos sobre los metales y/o vidrios y un apetecible cromatismo, logrando obras de características bellas y nostálgicas.
Jorge Vera / Fernando Magnalardo - Directores de Hipólito Restó & Arte

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Los bodegones de Verónica Rodríguez se fundamentan en la consecución de la hiperrealidad de los objetos, buscando, permitiéndose, encontrando estados de serena visión pictórica.

Se aproxima a una realidad que es concreta, que enlaza con su percepción de los objetos, elementos, utensilios, frutas y otros objetos de los bodegones que son partes de una composición que se orienta hacia la formulación del deseo de lo objetual.

Su objetualidad es determinante, en el sentido de que conjuga color y forma, objeto y composición, a partir de encuadres basados en primeros planos, en planos próximos a una realidad que se interconecta con su voluntad de conocer la percepción interior que alimenta lo representado.

La artista, nacida en Buenos Aires, vive en Argentina y Francia, exponiendo en ambos países, siendo su obra sólida, a la vez, concreta, buscando ambientes determinados por la evidencia de los objetos, frutas y utensilios.

El objeto o el elemento se convierten en el primer protagonista de su creación. Sus frutas en sus bodegones ocupan la parte central de la composición, porque buscan el protagonismo de las mismas, no son mero objeto decorativo.

De hecho rehúye la decoración, buscando la presencia física clara de lo representado, en el sentido de ahondar en la preponderancia de los objetos y frutas, de la exhibición clara de sus elementos y partes, como esencias encuadradas en el discurso clásico, pero, a la vez, contemporáneo.

En realidad busca la persistencia de lo contemporáneo a partir de emplear actitudes clásicas, para obtener una determinada efusión de sensualidad conectando con la formulación de una realidad que se asienta en lo determinante de lo existente.

Es partidaria de los sombreados, conjugando la presencia de la luz, armonizando zonas de claridad y oscuridad, para mostrarnos el poder pictórico de una obra que se funda en el dibujo, la perspectiva, los encuadres, la combinación de colores intensos con otros más austeros, dentro de un discurso en el que lo importante es la descripción y lo que esta representa más allá de sus propios límites.

Joan Lluís Montané

De la Asociación Internacional de Críticos de Arte (AICA)

Elizabeth Eichhorn: Razas y Colores

Hipólito Restó & Arte

Ciudad Autónoma de Buenos Aires

Argentina

www.hipolitorestoarte.com.ar

La razón de "Razas y colores", es la de aunar en un tema y una técnica distintas expresiones respetando la idiosincrasia de cada uno. Por eso se verá una variedad particular, incursionando dentro de lo figurativo y lo humano, que es lo que más aprecio trabajar, en distintas maneras de verlo.

Obras de colorido luminoso y suave, otras casi monocromas, otras de colores vibrantes, algunas más oscuras. Y en el procedimiento se verá el trazo, en unas de un realismo muy marcado matizado con manchas, en otras el protagonismo pertenece a estas manchas, y en algunas más habrán con una pisca de expresionismo, de fantasía.

Las personas retratadas presentan su folklore, ya sea en la vestimenta, en sus flores nacionales o en los elementos que las acompañan, o en su problemática social. Todas pretenden tener la expresión característica de la idiosincrasia de su raza. No falta, como nunca faltó, la presencia argentina y además, como me gusta hacer en todas las muestras que he realizado, hay una obra "unificadora", la del país imaginario, la que puede pertenecer a todos, la que puede representarlos a todos mostrando que, ante los ojos de la naturaleza y de Dios, la esencia del ser humano es la misma así cambie el lugar geográfico y así pase el tiempo. Esta es mi intención, y estoy satisfecha con ella.

Stella Mezzadri y su envolvente mundo de sensaciones.

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En su nueva “Serie 2008”, la pintora argentina capta y expresa estadios del alma y

nos conduce, a través de su discurso plástico, a lo que no se dice pero que está explícito.

Stella Mezzadri se encuentra inmersa en la búsqueda del yo en la estructura de la forma en sus composiciones de óleo sobre tela. Una búsqueda a través del subconsciente, de lo onírico insertado en la dinámica de la progresión formal.

Capta estadios de la mente, cada vez con mayor claridad, como podemos ver en la evolución que ha experimentado con respecto a la obra del año anterior.

En su nueva Serie 2008 nos muestra el renacer del profundo letargo que la naturaleza envuelve a todos los seres vivos, logrando de esta manera, a través de su laboriosa búsqueda de colores, un producto muy elaborado, donde la luz juega un papel preponderante en la misma, como así también la calidez, la delicadeza, los interesantes cromatismos y las excelentes composiciones, los cuales se conjugan en una sola materia.

Sus composiciones se entrelazan caprichosamente formando vertiginosas figuras definidas por el estado anímico del espectador, incluso fuera de los límites físicos de la obra, pudiendo de esta manera combinar en dípticos o trípticos, como si los mismos hayan sido realizados el uno para el otro, realzando de esta forma la maestría de su obra.

Refleja momentos interiores, paisajes álmicos, fuerzas que son parte de la naturaleza, que son movimiento y gesto, de origen vegetal y dévico, que se transforman en fundamentos de un discurso plástico que gana en misterio, que incorpora elementos más enigmáticos, para adentrarnos en su particular laberinto. Un laberinto que forma parte de un posicionamiento central de Stella Mezzadri basado en la determinación del cambio para adentrarse en la fenomenología del espíritu.

Abandona la forma, el espejismo, el maya controlado, por una obra más entera, en el sentido que se adentra en lo subconsciente, en el poder evocador de la energía transformadora, en la fuerza de lo plástico sin necesidad de recurrir a iconismos descubridores de una realidad que se presume pero que está formada por un conglomerado dispar de situaciones, o bien por concentraciones energéticas que la artista trata con determinación.

Su composición, elaborada en óleo sobre tela, está basada en colores y tonos propios, difuminados y degradados, tonos intensos pero sutiles a la vez, que conforman una paleta que acompaña el mundo psicológico de la autora argentina.

Un sinnúmero de emociones: sensualidad, erotismo, vértigo, paz, logradas a través de su alquimia de colores y un exquisito uso de la luz se podrán apreciar hasta el 3 de Octubre, en Hipólito Restó & Arte con entrada Libre y Gratuita.

Joan Lluís Montané

De la Asociación Internacional de Críticos de Arte (AICA)

http://www.joanlluismontane.net/

Fernando Diego Magnalardo

Jorge Omar Vera.

Directores: Hipólito Restó & Arte

Mujeres Enamoradas

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"Mujeres Enamoradas" de Enrique Alvarez Aldana.

Se realiza en nuestro espacio, ubicado en la calle Sarmiento 948 - Buenos Aires - Argentina, la muestra del artista plástico argentino Enrique Alvarez Aldana, del 09/06/08 al 04/07/08, de Lunes a Viernes de 8 a 19 horas.

www.hipolitorestoarte.com.ar

Una serie de obras realizadas en óleo sobre tela de estilo surrealista muy personal, sobre una temática tabú en la sociedad moderna combinada con imágenes muy sutiles, tiernas y amorosas con la personal impronta de Enrique de la utilización adecuada del color. 

Aldana, a través de esta serie, indaga y nos pregunta sobre la calidad de los sentimientos en formas no tradicionales de pareja, dejándonos a nosotros la difícil tarea de realizar una apertura y darnos la posibilidad de existencia de las mismas. Para pensarlo y dejar fluir en nuestro interior el poder ser uno mismo.

ATREVERSE A MIRAR

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Cynthia Novillo Almada
Del 12/05 al 06/06/08
ATREVERSE A MIRAR
Hipólito Restó & Arte
Ciudad Autónoma de Buenos Aires
Argentina
www.hipolitorestoarte.com.ar

Saber mirar.
Dejar de adivinar.
Aprender a mirar y entender lo que veo.
Es parte de la inquietud de lograr sentirme protagonista de mi propia vida.
Dejar de obrar por reacción y poder hacerlo con reflexión, siempre con el enriquecedor acompañamiento de aquellos que aportan su particular mirada y amplían la mía.
Sin duda, un momento especial, un paso dado, una vivencia, cierto crecimiento y una profunda mirada interna se encuentran en estos cuadros.
Ellos son un espejo donde vi. Lo que no veía.
Lo paradójico es que desde mi propio trabajo me sentí también muy mirada.
Hoy están expuestos para todos aquellos que quieran ver y porque no descubrir en ellos algo mas.

Quiero compartir mi obra con quienes quieran disfrutarla, y así contagiarles un poco de la energía, las emociones y sensaciones que los colores que uso me transmiten.
Necesito destacar lo bello y agradable que nos rodea cotidianamente y tenerlo presente, apreciarlo y disfrutarlo, dándoles especial protagonismo.
Mis temas favoritos son las flores y los cielos, con un enfoque muy propio, donde plasmo la belleza efímera a la que muchas veces somos indiferentes, con la esperanza de eternizar sentimientos y emociones gratas.
Cynthia Novillo Almada

Cynthia Novillo Almada abraza el mundo de las flores, jugando con ellas, reconvirtiéndose su mundo en otro, porque éstas son producto de una actitud que viaja más allá de las limitaciones ordinarias. Sus flores son miradas, personajes que se funden con los Devas.
Cielos, flores, iconos vegetales y símbolos, la obra pictórica de la creadora argentina se basa en una dosis considerable de poesía alegórica, tendente a captar estados de ánimo y transmitirlos a través de representaciones simbólicas. El resultado es una obra claramente elaborada, dotada de concepto, donde el color ejerce de llave que abre el secreto de la iluminación hacia el universo de los verdaderos significados.
Joan Lluís Montané de la Asociación Internacional de Críticos de Arte


Nació en Argentina, en la Ciudad de Buenos Aires en 1960.
Se recibió de arquitecta de interiores en La Biblioteca Nacional del Consejo de Mujeres en 1983. Allí perfeccionó su técnica de dibujo, pintura, composición, y estudio del color.
Interesada en la pintura como forma de expresión, asistió a varios cursos de pintura decorativa de distintos estilos, al óleo o al acrílico.
Estudió dos años fotografía en el Instituto Superior de Arte Fotográfico.
Desde el año 2003 asistió a diversos talleres de pintura.
Sus temas favoritos son las flores y los cielos, con un enfoque muy propio, donde ella plasma la belleza efímera y a la que muchas veces somos indiferentes, con la idea esperanzada de eternizar sentimientos y emociones gratas.

http://expodolmendali.com/Coppermine/displayimage.php?album=21&pos=21
http://www.franciscablazquez.net/montane_articulos_iv_mega_exposicion.htm
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